Tulad ng napagmasdan natin sa nakaraan, ang pagdalo sa mga sinehan ng pelikula ay bumagsak noong 2016. Ang mga tao ay hindi nagnanais na makita ang mga pelikula sa isang sinehan, na nagbabawal sa anumang pangunahing epiko na humihiling ng screening sa isang malaking screen, marahil sa IMAX na may 3 -D baso upang mag-boot. Ang pagtaas ng demand at home media na kasama ng nakapanghinawang kalidad ng ilan sa mga kamakailan na paglabas ng Hollywood ay pinanatili ang mga tao na manatili sa bahay upang maiwasan ang pagbabayad ng patuloy na pagtaas ng mga presyo ng isang tiket sa pelikula.
Gayunpaman, kahit na ang bilang ng mga dadalo sa pelikula ay nabawasan, ang mga mahilig sa pelikula ay patuloy na kumokonsumo ng daluyan. Ang mga presyo ng mataas na tiket at kakulangan ng muling paglabas ay pinipigilan ang mga cinephile na makita ang ilan sa mga magagaling na pelikula tulad ng inilaan ng kanilang mga tagagawa-sa isang malaking screen! Tulad ng walang maaaring talagang palitan ang live na teatro, walang halaga ng mga high-def TV at streaming pamagat na maaaring palitan ang nakakakita ng pelikula sa isang sinehan. Para sa bagay na iyon, ang ilang mga pelikula ay makakamit lamang ang kanilang buong epekto kapag tiningnan sa isang malaking screen. Narito ang 15 Mahusay na Pelikula na Kailangang Makikita Sa Malaking Screen.
15 Star Wars
Ang Star Wars ay isang uri ng pelikula tulad ng walang iba pa - isa na gumaganap sa kawalang-kasalanan ng pagkabata, pangarap ng hinaharap, Jungian archetypes at pag-ibig ng pagkakaibigan. Bihirang, kung dati, ay may isang pelikula kaya napuno ng kagalakan at kasiyahan sa bawat solong frame. Ang kagalakan na iyon ay dumarating din sa home media — paano pa ipaliwanag ang walang katapusang kababalaghan ng Jedi Knights at droids? Ngunit walang home screen ang maaaring gumawa ng hustisya sa pelikula na nakatulong sa pag-imbento ng blockbuster, na nagdagdag ng mga character tulad ng Darth Vader sa zeitgeist o mga salitang tulad ng lightsaber sa vernacular. Ang Star Wars ay nabibilang sa malaking screen.
Subukan lamang ito: tingnan ang Isang Bagong Pag-asa, sa isang teatro na puno ng mga tagahanga. Habang sumasabog ang Milenyong Falcon sa hyperspace, makikita mo ang iyong sarili na sumisigaw tulad ng isang baliw. Kahit na nakita mo ang pelikula - at ang eksenang iyon - isang daang oras bago, makikita mo ito sa unang pagkakataon sa isang tunay na paraan - sa malaking screen, kung saan ito pag-aari.
14 2001: Isang Space Odyssey
Inimbento ni Stanley Kubrick ang modernong film fiction science kasama ang kanyang elephantine production ng 2001: Isang Space Odyssey. Nagtatampok ng ground breaking special effects (na nanalo kay Kubrick na siya lamang ang Oscar) kasama ang trademark ng direktor na matalino at matipuno na komposisyon ng pagbaril, 2001 pinataas ang bar sa maalalahanin na sci-fi, at sa paniwala ng puwang ng epiko.
Kubrick filmed ang pelikula sa format ng Cinerama, na kasangkot sa pagproseso ng pelikula sa tatlong mga projectors upang bumuo ng isang ultra-sized na imahe. Nag-film din siya sa 70mm film, na lumilikha ng mga imahe ng hindi kapani-paniwalang detalye at saklaw. Dati bago ang IMAX ay naging kumpay para sa mga blockbuster sa Hollywood, ang IMAX screen ay magpapakita ng 2001, bilang isa sa ilang mga pelikulang ginawa ng tinseltown na maaaring mabuhay hanggang sa format.
Ang mga madla na kinikilala ang 2001 bilang isang mainip, matigas at mapurol na pag-iibigan ay hindi nakita ito sa malaking screen. Sa isang teatro, ang mga bula ng pelikula na may buhay at lalim. Maaaring mabasa ng mga madla ang mga teknikal na pagbabasa na tila hindi nakikita sa isang TV screen. Ang pagbaril ng mga komposisyon ni Kubrick ay tumatagal sa isang nakatutuwang, simbolikong kahulugan, at ang mga pag-shot ng Discovery na lumilipad sa espasyo ay tumatagal pa rin ng hininga ng madla.
13 Lawrence ng Arabia
Ang direktor na si David Lean ay nagtayo ng isang karera sa mahusay, mahusay na mga screen na epiko, na nagmula sa mga pelikulang giyera tulad ng Bridge sa Ilog Kwai hanggang melodramas tulad ni Dr. Zhivago. Walang tanong, sa isang karera ng mga napakalaking pelikula, ang pinakadakilang nagawa ni Lean noong 1962 nang idirekta niya si Lawrence ng Arabia.
Ang paggawa ay tumagal ng higit sa isang taon upang mag-pelikula, at itinampok ang isang host ng mga mahalagang mga aktor kabilang ang Alec Guinness, Omar Sharif, Claude Rains at, sa kanyang cinematic debut, Peter O'Toole. Sa papel, ang Lawrence ng Arabia ay nagbabasa tulad ng nagagalit na pangarap ng isang baliw: isang 3-oras na epiko tungkol sa pag-iisa ng iba't ibang tribo ng Arabian ng isang Ingles - na walang kwento ng pag-ibig. Sa katunayan, walang isang babae kahit na may nagsasalita na papel sa pelikula. Ang Lean crafts na ito ay hindi pangkaraniwang materyal, gayunpaman, sa isa sa mga pinaka-pag-drop ng mga gawa ng cinematic na resolusyon sa kasaysayan. Na-filter sa 70mm, nakuha ni Lean ang ilan sa mga pinaka-kahanga-hangang mga imahe na inilalagay sa pelikula: Ang Lawrence ay naglalagay sa abot-tanaw sa isang dagat ng mga buhangin. Ang mga Scout na sumisilip sa mabato na mga bangin sa disyerto upang makahanap ng isang kamping ng Bedouin. Isang raid sa kamelyo at kabayo na nagtatampok ng daan-daang mga extra.
Gumawa si David Lean ng mga pelikula na lubos na makikinabang sa mga elemento ng teknikal at aesthetic ng isang sinehan. Ipinakikita ng Lawrence of Arabia ang prinsipyong iyon — upang maunawaan ang epikong kaluwalhatian ng pelikula, dapat makita lamang ito ng mga manonood sa isang teatro. Ang pagtingin dito kahit saan pa ay dapat maging isang krimen!
12 Mad Max: Fury Road
Ang pinakatanyag na pelikula ng 2015, Mad Max: Fury Road ay natagpuan ang septuagenarian director na si George Miller sa taas ng kanyang kapangyarihan. Ang ika-apat na pelikula sa seryeng Mad Max series, ang pelikula ay hindi lamang kumakatawan sa pinnacle ng franchise, ngunit isang bagong mataas para sa lahat ng mga pelikulang aksyon. Hinila ni Miller, sa kakanyahan, isang pagkakasunod-sunod na pagkilos na pagkakasunod-sunod ng dingding na nagpapatakbo sa buong runtime ng pelikula, habang sa paanuman pa rin pinamamahalaan upang bigyan ng malalim ang kanyang kwento at mga character.
Si Miller ay kinunan ang Fury Road sa high-definition digital photography na nagpapahintulot sa kanya na magdagdag ng 3-D na epekto sa post-production. Sa anumang format bagaman, isinama ng Fury Road ang mga kadahilanan kung bakit ang sinumang umupo sa isang pelikula sa unang lugar — partikular na partikular sa isang teatro. Ang hindi kapani-paniwalang disyerto at bundok ng mga baryo - kinunan ng shot si Miller sa lokasyon sa Namibia — mga sandstorm at disenyo ng popping ng produksiyon na isawsaw ang viewer sa isang surreal at madalas na masayang-maingay na uniberso. Alam din ni Miller kung paano maihatid ang mga sandali ng kahanga-hangang kahinahunan. Alamin ang paraan na hawak niya sa nakakapagod na mukha ni Tom Hardy, o ang nakatusok na asul na mata ng Charlize Theron. Ang mga uri ng mga pag-shot ng character na ito ay ganap na umaasa sa charisma ng mga aktor, at mapapasasalamatan lamang ng isang madla ang kapangyarihan ng mga ito sa isang malaking screen. Sa mga sinematic term, Mad Max: Fury Road ay isang halos banal na bagay. Samakatuwid, ang mga manonood ay dapat tratuhin ito nang may kabanalan, tinitingnan ito sa simbahan ng isang sinehan.
11 Eraserhead
Dumating si David Lynch bilang dinamiko at natatanging filmmaker sa kanyang surreal nightmare na si Eraserhead. Nakita ni Lynch ang sarili sa mystique ng sinehan, at gumaganap ang Eraserhead sa bawat teknikal at theatrical element na maaaring magamit ng isang bahay sa pelikula. Naka-filter sa mataas na kaibahan na itim at puti, ang pelikula ay ginagawang buong paggamit ng ilaw, anino at ang misteryo ng lahat. Ginugol ni Lynch ng isang taon ang pag-edit ng 89 minuto na pelikula upang maglagay ng espesyal na diin sa tunog din: Nagtatampok ang Eraserhead isa sa mga pinaka-layered at natatanging soundtracks na nagawa, gamit ang puting ingay bilang isang paraan upang ilagay ang mga madla sa subliminally.
Tumulong si Eraserhead na lumikha ng milieu ng pelikulang hatinggabi - ang uri ng pelikulang pinakamahusay na tiningnan sa isang teatro na setting sa ilalim ng misteryo ng gabi. Ang setting ng panggabing gabi ay nagdaragdag ng isa pang layer ng kapaligiran sa pelikula. Kapag nakita sa gabi-at, maging matapat tayo, madalas na nasa ilalim ng impluwensya — mga pelikula sa hatinggabi tulad ng Eraserhead na binabaan ang mga pandama, na nakakakuha ng mga tagapakinig sa halos espirituwal na antas.
10 Alien
Itinaas ni Ridley Scott ang bar sa science fiction at horror films kasama ang 1979 na hiyawan na si Alien, isang pelikula na nagpakilala sa pangunahing tauhang kilos, si Ellen Ripley. Tulad ng ginampanan ni Sigourney Weaver (sa kanyang debut ng pelikula), si Ripley ay nakatayo sa gitna ng kamatayan at pagkawasak bilang isang haligi ng pagbabata ng tao. Sa kadahilanang iyon lamang, ang pelikula ay palaging mananatiling isang seminal na klasiko.
Sa kabila ng pagganap ni Weaver, gayunpaman, iniksyon ni Scott si Alien na may isang naka-istilong at visceral na kapangyarihan lamang na lubos na pinahahalagahan sa malaking screen. Inilalarawan ng pelikula ang isang hindi pangkaraniwang cast ng mga character-uri ng mga trak ng panlabas na espasyo, mga manggagawang krudo na kaibahan sa walang katapusang mga ranggo ng mga siyentipiko na karaniwang namumuhay ng mga pelikula sa espasyo. Tinapik din ni Scott ang dalawang kamangha-manghang visual artist — sina Chris Foss at HR Giger — upang magdisenyo ng pelikula, na nagreresulta sa isa sa mga pinaka-aesthetically na pag-aresto sa mga pelikula kailanman.
Ang kapangyarihan ni Alien ay nagmula sa bahagi mula sa katahimikan ng isang bahay ng pelikula. Tulad ng iba pang mga pamagat dito, ito ay isang nakaka-engganyong karanasan. Tulad ng mga imahe ni Ripley at ang marahas na dayuhang hayop na kahaliling sa screen, ang pelikula ay tumatagal ng manonood sa isang ehersisyo sa malaking takot na may ilang mga katumbas. Ang pelikula ay nararapat sa kadiliman ng isang teatro, kung walang ibang kadahilanan, ngunit sa Earth, sa isang sinehan, lahat ay maaaring makarinig ng isang hiyawan.
9 Titanic
Ang mga kritiko at manonood ay madalas na hindi pinapansin ang isa sa mga mahusay na katangian ng James Cameron's Titanic. Sa gitna ng reputasyon, ang box office haul, ang kahoy na diyalogo, ang paglitaw ng Winslet at DiCaprio, crooning ni Celine Dion at ang napakalaking tag ng presyo sa paggawa, kung gaano kadali ang nakalimutan ng mga tao na si Cameron ay gumawa ng isang pagsamba sa mga epiko ng Hollywood ng yesteryear. Sinasakop ng Titanic ang parehong pantheon ng mga grand productions tulad ng The Sound of Music, Ang Sampung Utos o, well, Isang Gabi na Alalahanin. Pinahahalagahan nito ang malagkit na laki ng paggawa ng moviemaking, at ang pagkakataong magbigay ng madla ng nakamamanghang kalakal.
Ang legacy ng Titanic bilang isang box office juggernaut ay pupunta lamang upang ipakita kung gaano kahusay ang iniutos ni Cameron sa medium. Sa katunayan, sa panahong ito, ang tanging paraan upang aktwal na pahalagahan ang mga birtud ng pelikula ay maaaring makita ito sa isang sinehan. Paano pa mapapahalagahan ng isang manonood ang labis na disenyo ng produksyon, tunog pag-edit o visual effects? Higit sa lahat kahit na, ang sangkatauhan ng Titanic ay ginagawang isang walang hanggang klasikong. Ang pelikula ay hindi masyadong nakikita ang sarili sa tanawin, o kahit na sa mahuhulaan na kuwento ng pag-ibig tulad ng ginagawa nito sa gastos ng tao sa paglubog ng barko. Ang pagkamatay ni Jack ay sumisimbolo sa pagkamatay ng napakaraming iba pa na ninakawan ng kanilang buhay sa pamamagitan ng hubris at elitism. Habang ang ingay ng lumulubog na barko ay nawawala, na nagbibigay daan sa mga whimpering sobs, tanging ang isang miyembro ng madla sa isang teatro ay mapagtanto: ang karamihan sa mga sobs na iyon ay hindi nagmumula sa screen.
8 Ang Christopher Nolan Filmography
Ilang mga director ang nagpalawak ng paggamit ng IMAX photography tulad ni Christopher Nolan. Bukod sa mastering drama, suspense at aksyon, si Nolan, kasama ang madalas na cinematographer na si Wally Pfister, alam kung paano makunan ang isang imahe, maging isang nakagugulat na skyscraper, isang larangan ng intergalactic star o isang dreamcape na sumisira sa mga batas ng pisika. Naunawaan ni Nolan ang kapangyarihan ng isang imahe, at ginagamit ang theatrical, at lalo na ang IMAX, ang mga format sa maximum na epekto. Ang mga pagbubukas ng The Dark Knight at The Dark Knight Rises ay parehong naglalaro tulad ng mga pangako. Bilang dalawa sa pinakamagandang pagbubukas ng mga pagkakasunud-sunod, ipinapahiwatig nila ang mga maluwalhating pelikula na sundin. Katulad nito, ang imahe ng Joseph-Gordon Levitt na tumatakbo pataas at pababa sa mga pader sa Pag-iinspeksyon ay ang uri ng hiyas na ang mga pelikula lamang ang maaaring mag-alok.
Kahit na ang mas matalik na pelikula ni Nolan ay alam kung paano gamitin ang karanasan sa cinematic hanggang sa maximum na epekto. Nagpe-play si Memento tulad ng isang maalalahanang eksperimento sa pelikula sa maliit na screen, ngunit sa malaking screen ay nagiging isang pag-suspense ng thriller. Ang isang patlang ng mga ilaw na bombilya na nag-iilaw ng isang patlang ng Colorado sa The Prestige ay nakakakuha ng mga natatanging at surreal na mga imahe upang tumugma sa kuwento ng mga karibal na mago. Marahil higit sa anumang iba pang direktor ngayon, si Nolan ay patuloy na nagbago ng teatro na karanasan. Ang mga multiplex ng pelikula ay maaaring isang endangered species sa panahon ng on-demand at BluRay, ngunit hindi nangangahulugang ang mga masters ng medium ay hayaan ang mamatay sa teatro na madaling mamatay.
7 Mga panga
Kasabay ng Star Wars, nilikha ng Jaws ang konsepto ng modernong pelikula ng blockbuster, na walang hanggan na nagbabago sa Hollywood. Isang ehersisyo sa takot at suspense, hinuhulaan ng direktor na si Steven Spielberg mula sa mga gusto nina Alfred Hitchcock at David Lean na gumawa ng isang premyo sa schlocky sa isang inspirasyon na horror-thriller.
Tulad ni Lean, naiintindihan ni Spielberg ang kapangyarihan ng isang nakasisilaw na imahen - isang subliminal na paalala sa mga manonood ng kawalan ng halaga ng isang indibidwal sa engrandeng pamamaraan ng uniberso. Sinusunod din ni Spielberg ang mga prinsipyo ng Hitchcockian na suspense: hinahayaan ang madla na makita ang bomba (o sa kasong ito, ang pating) bago ang mga character. Ang mga machining ng pag-igting ay pinakamahusay na naglalaro sa kinokontrol na kapaligiran ng isang sinehan. Gayon din ang kakila-kilabot sa isang pelikula tulad ng Jaws: ang pangkaraniwang karanasan ng nakakakita ng isang pelikula ay hindi kailanman magiging mas maliwanag kaysa sa mga sandali ng lubos na takot. Ang walang humpay na pag-igting ng Jaws ay nabawasan kapag nakikita sa isang TV screen, kapag ang mga pagkagambala sa pamamagitan ng mga patalastas, mga cell phone o ang pindutan ng pag-pause ay maaaring magwasak sa kalooban. Sa isang sinehan, inilalagay ni Jaws ang manonood sa pamamagitan ng ringer - ito ay isang ganap na walang humpay na pelikula.
6 Nawala Sa Hangin
Kadalasang binabanggit ng mga kritiko ang Nawala sa Hangin bilang mahusay na epikong cinematic. Ang prodyuser na si David O. Selznick ay walang bayad sa pag-adapt ng sikat na nobelang Civil War sa screen, na gumagamit ng napakalaking set at isang cast ng libu-libo upang isawsaw ang manonood sa isang nakaraang panahon.
Nakakatawa, mayroong salitang iyon muli: paglulubog. Si Selznick, kasama ang direktor na si Victor Fleming, ay nagtakda upang gawin ang pinakadakilang pelikula sa lahat ng oras. Sa katotohanan, naging malapit silang mapahamak. Nawala sa Hangin ay hindi lamang anumang pelikula
ito ay isa sa mga pelikula, isa kung saan ang mga manonood na magpakailanman matingnan at mag-refer at mahalin. Binibigyan nina Clark Gable at Vivian Leigh ang dalawa ng mahusay na pagtatanghal ng screen. Ang paghagupit, romantiko, at mga biswal na hindi mas mababa sa kamangha-manghang, Ang Gone with the Wind ay may isang bagay na inaalok sa halos lahat ng miyembro ng madla, at tulad ng Lawrence of Arabia, ay isang bagay ng isang banal na relic ng pelikula. Ito ay nabibilang sa sagradong lupa: sa bahay sa isang bahay ng pelikula.
5 Avatar
Sa mga nagdaang taon, ang mga kritiko sa sinehan — kasama na ang ilan dito sa Screen Rant — ay nag-uusisa sa halaga at epekto ng Avatar ni James Cameron. Ang pelikula ay nagdulot ng isang pagpukaw sa paglabas, at kalaunan ay naging pinakamataas na grossing na pelikula sa kasaysayan. Ngunit ngayon, ang kultura ng pelikula ay tumitingin sa pelikula at nagtataka kung ano ang tungkol sa lahat ng pag-aalala. Ang Avatar ay may kamangha-manghang mga visual, ngunit ang kuwento ay hindi lumikha ng uri ng mga tagahanga na kahit isang katamtamang hit tulad ng Deadpool ay nanalo. Ang pelikula ay walang anumang pangmatagalang epekto sa kultura ng pop, at sa katunayan, ay nakakakuha ng mas maraming kritikismo para sa isang pagod na kwento at flat character kaysa sa uri ng papuri na isang pelikula na nag-snag ng siyam na mga nominasyon ng Oscar.
Ang pagtaas at pagbagsak ng Avatar ay bumaba sa isang simpleng katotohanan: hindi na nakikita ng mga tao ang pelikula sa isang teatro. Noong 2009, ang mga tao ay nag-flocked sa multiplex upang makita ang isang pelikula ng hindi kapani-paniwalang visual na umunlad ng IMAX at groundbreaking 3-D na teknolohiya. Sa isang sinehan, gumaganap ang Avatar — sa ilang mga paraan — mas katulad ng isang pagsakay sa tema ng park kaysa sa isang pelikula. Ang kagalakan ng pelikula ay hindi nagmula sa kwento, ngunit mula sa karanasan ng pakikilahok sa isang dayuhan na mundo na tila umusbong sa screen. Kaugnay nito, ang Avatar ay hindi karapat-dapat bilang isang mahusay na pelikula - isang mahusay na oras lamang sa mga pelikula.
4 Gravity
Tulad ng Avatar, ang direktor na si Alfonso Cuaron ay naglabas upang masira ang bagong lupa sa kanyang pelikulang Gravity. Hindi tulad ng Avatar, na kung saan ay may epekto lamang sa isang teatro, ang Gravity ay nagbago ng mga bagong diskarte sa pagkukuwento kasama ang mga kamangha-manghang visual. Binaril ng Cuaron ang Gravity partikular para sa format ng IMAX upang mas mahusay na gayahin ang laki ng panlabas na espasyo. Gumamit pa siya ng digital na teknolohiya upang maalis ang mga pagbawas mula sa pagbaril papunta sa pagbaril, na binibigyan ang pakiramdam ng pelikula na katulad ng pakiramdam. Sa halip na umasa sa murang "gimmick" shot, ginamit ni Cuaron ang proseso ng 3-D upang lumikha ng napakalawak na kalaliman ng larangan sa cinematography.
Sinusundan ng gravity ang kwento ng isang babaeng nakulong na nag-iisa sa kalawakan. Ngunit para sa isang maikling eksena ng isang kapwa astronaut, at isang sunud-sunod na panaginip, ang pelikula ay naglalarawan sa babae bilang lubos na nag-iisa. Kinuha ni Sandra Bullock ang mahirap na tingga, na kakailanganin siyang lumitaw sa halos bawat frame ng pelikula. Ang mga labi ay ang pinakadakilang pagpapakita ng tao sa kasaysayan ng cinematic: Pinamamahalaan ni Bullock na patakbuhin ang gamut sa kanyang pagganap, madalas na walang sinuman (o anumang bagay, salamat sa mga espesyal na epekto) upang umepekto sa. Ang kanyang pagganap ay may higit na higit na epekto kapag tiningnan sa isang higanteng IMAX screen, na, kasama ang cinemaatograpiya ng IMAX at paggamit ng 3-D, ang Gravity ay dapat na makita sa isang teatro.
3 Ang Diyos
Ang Godfather ay naging isang seminal na klasiko. Ngayon, higit sa 40 taon pagkatapos ng paglabas, ang pelikula ay patuloy na nagbaybay sa mga madla na may kapangyarihan at kaguluhan. Kaya bakit pagkatapos, hinihingi ba ng pelikula ang isang sinehan para sa buong epekto? Simple: ito ay isa sa mga huling pelikula na nilikha nang walang pag-iisip sa home media.
Ang Godfather at ang unang sumunod na ito ay parehong gumamit ng isang proseso na kilala bilang IB Technicolor. Ang pamamaraan na pinapayagan ang pelikula na sobrang sumipsip ng kulay sa kahanga-hangang detalye, na gumagawa ng isang mayaman, naka-texture na imahe nang higit pa sa isang pagpipinta ng Rembrandt kaysa sa iba pang mga pelikula sa oras nito. Natapos ang paggamit ng IB Technicolor kasunod ng pagkumpleto ng The Godfather Part II, at wala pang film o digital na pamamaraan na tumugma sa mga nakakatuwang kulay nito. Sa kadahilanang iyon lamang, nararapat makita ang The Godfather sa isang teatro.
Nangyayari din ang pelikula na maging isang mahusay na pelikula, puno ng layered, nakakaintriga na mga character, kahina-hinala na pag-plot, mahusay na aksyon at ilan sa mga pinakamahusay na pagtatanghal na kinunan. Isang salita ng payo sa nakikita ang The Godfather sa malaking screen: kumuha ng pagkain. Ang bilang ng mga eksena ng mga character na kumakain ng masarap na hitsura ng lutuing Italyano ay makapagpapagutom sa sinuman!
2 Apocalypse Ngayon
Francis Ford Coppola staked kanyang personal na kapalaran at kanyang katinuan sa paggawa ng Apocalypse Ngayon, ang kanyang mahabang tula tungkol sa Digmaang Vietnam. Ang pagbaril ay tumagal ng higit sa isang taon, at nahaharap sa mga hadlang ng mga bagyo, rebolusyon sa politika, totoong digmaan, drugged out actors, atake sa puso ni Martin Sheen, at ang patuloy na nakakagambalang pamamaraan na kumikilos at bigat ng ballooning. Si Coppola mismo ay nagmuni-muni ng pagpapakamatay sa isang nakagawiang batayan, at ayon sa kanyang malalapit na kaibigan, itinapon ang bahagi ng kanyang katinuan sa gubat sa panahon ng pagbaril.
Sa kabila ng nakagagalang produksiyon, ang Apocalypse Ngayon ay naging isang seminal na klasiko, isang tipan sa kapangyarihan at kabaliwan ng sinehan, at ng mga kalalakihan at kababaihan na lumikha nito. Hinahalo at na-edit ni Coppola ang pelikula na may hangarin na magtayo ng isang teatro na magtatampok ng mga karagdagang "interactive" na epekto upang magkatugma sa pelikula, sa halip na isang pang-akit na parkeng Disney theme. Hindi niya kailanman ito binuo, ngunit ang mismong paniwala na idinisenyo niya ang pelikula dahil ang mga hinihiling ng mga mambabasa ay makikita ito sa sinehan. Na-load ng mga nakakaaliw na mga imahe, napakatalino na pagtatanghal at pilosopikal na mga katanungan, ang Apocalypse Ngayon ay nararapat na kinakailangan ng katayuan sa pagtingin sa mga klase sa kasaysayan ng Amerika. Ang nasabing proviso ay dapat ding humiling ng mga madla na makita ito sa isang teatro!
